Роскошь и сияние экспонатов Алмазного фонда просто зашкаливает. Несмотря на то, что многие драгоценности большевиками были распроданы на аукционах, этому музею есть чем гордиться.

Алмазный фонд располагается в здании Оружейной палаты, занимает в ней два зала.
Его основателем по праву можно считать Петра I. Именно он в 1719 году собрал на хранение в одной из комнат все драгоценности. В середине 18 века их переместили в Зимний Дворец, в Бриллиантовую комнату.
Но началась война, и летом 2014 года коллекцию в срочном порядке эвакуировали в Москву. Привезли их в восьми сундуках без каких-либо описей и актов передачи. Так же, без проверки, их и приняли.

Почти восемь лет они пролежали в подвалах Кремля, заваленные другими грузами. И только в 1922 году сундуки с драгоценностями передали в Гохран, где и занялись их разборкой и переписью. А, начиная с 1926 по 1938 гг., по личному поручению Ленина и советского правительства, очень много драгоценностей распродали на аукционах Европы и Нью-Йорка. Но потом все же остановились.

«Семь чудес Алмазного фонда»

Удивительно прозрачный алмаз в 189 карат, переливающийся зеленоватым и голубым цветом. Самый крупный и самый ценный алмаз в коллекции. У него 180 граней, формой он напоминает индийскую розу. Изначально алмаз находился в Индии, но в результате череды похищений и продаж оказался у графа Орлова. А он, в свою очередь, подарил его Екатерине II.

Это второй по ценности алмаз в коллекции, тоже отличающийся идеальной прозрачностью, весом 88 карат. Найденный в Индии, он почти сохранил свою первоначальную форму, слегка подправлены у него лишь несколько граней. На этом алмазе отчетливо видны надписи, сделанные на персидском языке – это имена трех его предыдущих обладателей. В 1824 году этот великолепный алмаз с целью примирения привезли в дар Николаю I после жестокой расправы в Тегеране над Александром Грибоедовым, нашим послом, дипломатом и известным писателем.

Алмаз-«портрет»

Один из самых крупных, так называемых портретных, алмазов. Он имеет плоскую форму и площадь – 7.5 квадратных сантиметром. А поскольку этот алмаз еще и совершенно прозрачный, его вполне можно использовать как портретный, что, собственно, и было сделано - под ним разместили портрет императора.

Вес этого великолепного, необыкновенно прозрачного самоцвета 399 карат. Именно он украшает российскую Большую императорскую корону.

Это также один из самых известных и ценных камней, его вес 136 карат. Он отличается очень красивым насыщенным цветом и ступенчатой огранкой. Очень красиво смотрится в обрамлении бриллиантов и серебряных виноградных листьев.

Легендарный, крупнейший в мире ограненный сапфир в 260 карат. Верхняя его поверхность имеет более ста граней. Этот прекрасный камень в ажурной оправе, подчеркивающей его красоту, Александр II приобрел в 1862 году в Лондоне для своей супруги.

Совершенно уникальный камень весом в 192.6 карат, необыкновенно прозрачный, с великолепной огранкой.

Помимо этих уникальных алмазов в музее имеются и другие эксклюзивные экспонаты и, в первую очередь, это главные регалии монаршей власти.

Императорский скипетр

Скипетр с двуглавым орлом на вершине изготовлен для Екатерины II. С 1774 года его украшает роскошный алмаз «Орлов», подаренный графом своей императрице.

Держава императорская

Title="Держава императорская 1762 г. Золото, бриллианты, сапфир (200 каратов), алмаз (46,92 карата), серебро
Высота с крестом 24 см Длина окружности шара 48 см " border="0" vspace="5">

Держава императорская 1762 г. Золото, бриллианты, сапфир (200 каратов), алмаз (46,92 карата), серебро
Высота с крестом 24 см Длина окружности шара 48 см

Держава, иначе именуемая «Царское яблоко», - творение ювелира Экарта, изготовленное для коронации Екатерины II. Уже при императоре Павле I ее дополнительно украсили великолепным сапфиром и бриллиантом.

Большая корона Российской империи

Эта корона, по праву считающаяся самой красивой и дорогой в мире, – творение придворных ювелиров Георга-Фридриха Экарта и Иеремия Позье. Также создана по поручению Екатерины II для ее коронации в 1762 году в рекордные сроки - всего лишь за два месяца. После революции этот главный символ Российской империи около 30 лет находился в Ирландии, передали туда корону в качестве залога за оказанную финансовую помощь. Выкупить этот шедевр смогли лишь в 1950 году, тогда корона и вернулась в Москву.

Другие экспонаты музея

Малая императорская корона Российской империи

Раньше предполагали, что она была изготовлена для Елизаветы Алексеевны братьями Дюваль. Сейчас же считают, что корону создал ювелир Зефтиген для Марии Александровны.

Корона императрицы Анны Иоанновны

Великолепная корона, сверкающая двумя с половиной тысячами драгоценных камней, инкрустированных в ее серебряный остов. В качестве украшения использован также темно-красный турмалин, снятый с короны Екатерины I.

Бриллиантовая диадема императрицы Елизаветы Алексеевны

Эта диадема, украшенная розовым бриллиантом, - из свадебного набора великих княгинь дома Романовых.

Большая пряжка-аграф и серьги

Портрет императора заключен не под стекло, его покрывает необыкновенный алмаз редкой чистоты.

Знаки ордена Андрея Первозванного

Украшение орденской шляпы

Один из знаков ордена св. Екатерины.

Орден Золотого Руна

Этот древний и почетный орден был учрежден еще в 1429 году. Награждали им лишь представителей древнейших дворянских родов.

Медальон с изумрудом

«Большой букет»

Портбукет

Это украшение прикалывали на платье в качестве миниатюрной вазочки, в которую вставляли маленький букетик живых цветов.

Турмалин розовый

Редкой красоты камень во время своего визита в Россию преподнес Екатерине II король Швеции Густав III в 1777 году. Долгое время считали, что это рубин. Очень необычна его гравировка в виде виноградной грозди.

Парюра "Бант-склаваж" императрицы Екатерины II

Title="Бант-склаваж и серьги императрицы Екатерины II. Серебро, бриллианты, шпинели, золото
11,5х11 см. 1764 год. Мастер Леопольд Пфистерер" border="0" vspace="5">

Бант-склаваж и серьги императрицы Екатерины II. Серебро, бриллианты, шпинели, золото
11,5х11 см. 1764 год. Мастер Леопольд Пфистерер

Склаваж – это небольшое ожерелье, которое носили на широкой ленте из кружева или бархота. Хотя на самом деле ожерелье довольно массивное, но выглядит очень легким, ажурным.

Есть драгоценности монаршего российского двора и среди .

Вторая половина XIX века - начало XX века явились временем расцвета русского искусства. Одним из проявлений национальной школы искусств являлось развитие русского стиля в золотом и серебряном деле. Ювелирное дело переживало свою тысячелетнюю историю. Начиная с перегородчатых эмалей Киевской Руси были возрождены приемы и формы XV - XVIII веков, а также начала XIX века. Имена ювелирных фирм, поставщиков Высочайшего двора - К.Фаберже, К.Болина, П.Овчинникова, И.Хлебникова, стали символом серебряного века русской культуры.
Изделия мастеров всегда были исполнены с совершенной техникой, правдиво и художественно. Самобытно и оригинально использовались различные техники и материалы: графическая резьба, живописная красочная эмаль, объемный рельеф, разнообразие сканного узора, драгоценные и полудрагоценные камни.

Главными центрами ювелирного искусства в это время становятся Петербург и Москва, города с разной исторической судьбой и разными традициями, где складываются две художественные школы России.
Петербург был законодателем мод и направлений, отражал связь с миром, был залогом единения России и Европы; и на него ориентировались мастера и художники России. И именно в Петербурге, с его роскошными дворцами и блестящей придворной жизнью, под Высочайшим Императорским покровительством творили исключительные золотых дел мастера и необычайно оригинальные таланты. Отличительная черта в золотом и серебряном деле Петербурга - изначальная ориентация Петербурга на западноевропейскую культуру и моду. Здесь были богатейшие собрания искусства Европы, сохранились традиции совместной работы русских мастеров с иностранными, возникшие при Петре I.
Петербуржец Карл Фаберже был воспитан на классических традициях. В его произведениях воплотилось стремление к познанию лучших эпох истории, умению найти новые способы применения и воплощения изделий из различных исторических времен. Он умел воплотить в совершенной красоте изделий - синтез искусств. Так в пасхальных яйцах использовались элементы архитектуры, скульптуры, живописи, графики, все богатство ювелирного искусства.
Проявляя чуткость к заказчику, Фаберже умело использовал его воспоминания и ассоциации, а играя стилями создавал произведения искусств соответствующие разным вкусам. Фаберже обладал блестящими способностями организатора большого творческого процесса, в который входили художники-дизайнеры и мастера-ювелиры различных специальностей, что позволяло выполнять сложнейшие вещи. В начале XX века у Фаберже работало около шестисот ювелиров разных национальностей.
Начало всемирно известной фирмы послужила скромная мастерская, в которой изготовлялись неуклюжие браслеты, брошки и медальоны с камнями и эмалью. Известность пришла с началом практики сыновей мастера Густава Фаберже - Карла (с 1864 года) и Агафона (с 1882 года), которые получили образование за границей. Их первый опыт - копии с керченских украшений забытой эпохи.
После удачной работы фирма получила заказ на целый ряд подобных копий. Галерея драгоценностей Эрмитажа стала школой для ювелиров фирмы Фаберже. Изучая изделия эпох Елизаветы и Екатерины II мастера сохраняя стиль прошлых веков, прилагали к современным туалетам: папиросницы, туалетные несессеры, настольные часы, чернильницы, пепельницы, звонки.

Расширяющееся производство потребовало создания мастерских, владельцы которых обязывались работать по рисункам и моделям фирмы исключительно для нее. В дальнейшем все лучшие мастера К.Фаберже были собраны в одном четырехэтажном здании на Большой Морской улице, дом 24, где кроме мастерских размещались жилое помещение его семьи, библиотека, студия для художников и модельеров, оранжерея.
Круг изделий фирмы Фаберже необычайно разнообразен - украшения, рамки, все виды коробочек, скульптура, сервизы, предметы культа, быта и туалета. Изысканность, эстетизм форм, сочетание цвета - главная черта изделий фирмы. В одном небольшом произведении могли сочетаться различные оттенки золота, утонченная гамма эмалей и драгоценных камней. Карл Фаберже использовал множество драгоценных и полудрагоценных камней, больше чем какой-нибудь мастер в истории ювелирного искусства.
Фирма работала с эмалями и была лучшей в их производстве. Наиболее характерна - эмаль по гильошировке - обычно прозрачная, которая в сочетании с изысканной графикой резного узора фона украшала самые разные предметы. Фирма использовала более ста оттенков различных цветов,
что давало возможность создавать тончайшие переливы. Для совершенствования производства эмалей в Париж был направлен сын Карла Фаберже, Александр. Но уже тогда парижские мастера не были в состоянии так легко делать эмалевые вещи, как петербургские ювелиры.

Художники фирмы, в большинстве своем были учениками Центрального училища технического рисования барона Штиглица. Они проходили практику, для совершенства мастерства, в Париже и Лондоне. Занимаясь в лучших мастерских европейских столиц, они овладевали сложнейшей передовой технологией, новыми способами и секретами чеканки, отливки, эмали и другими. Поэтому неудивительно, что русское ювелирное искусство рубежа XIX-XX столетий было на таком высоком уровне, завоевав мировое признание.
Всероссийское признание фирма Фаберже получила на Всероссийской выставке в Москве, где её изделия были отмечены золотой медалью. С 1885 года фирма становится поставщиком Высочайшего Двора. На выставке изящных искусств 1885 года в Нюрнберге она была отмечена золотой медалью; в 1888 году в Копенгагене - почетным дипломом. В 1897 году на выставке в Стокгольме Карл Фаберже получил звание поставщика короля Швеции и Норвегии. Самый большой успех принесла выставка в Париже в 1900 году, где К.Фаберже впервые продемонстрировал императорские пасхальные яйца с сюрпризом, большое впечатление произвели копии царских регалий. Он был награждён орденом Почетного легиона и зачислен в гильдию парижских ювелиров.
Отражением известности и популярности говорит тот факт, что в 1912 году проходил конкурс рисунков изделий из драгоценных металлов имени К.Фаберже, объявленный русским Художественно-промышленным обществом. В жюри входил сам К.Фаберже и его сыновья.
В создании ювелирных изделий Карл Фаберже принимал непосредственное участие, делал эскизы, лично наблюдал за процессом изготовления. Каждая новая модель и все стадии её изготовления обговаривались кругом специалистов. Обсуждение проходило в личной конторе К.Фаберже, тщательно подбирались материалы, цвета и качества эмалей, температуры обжига и прочие подробности. Готовы проект проверялся главным мастером Ф. Барбаумом и обязательно утверждался самим К.Фаберже или в его отсутствии сыновьями. Существует легенда: если К.Фаберже что-либо не удовлетворяло, он мог тут же разбить молотком уже готовую вещь.
В русском декоративно-прикладном искусстве значительное место принадлежит поделочному камню. Изумительное богатство красок природы, разнообразие причудливых узоров, способность принимать полировку и разные формы сделали его незаменимым материалом для ювелиров.
Новым явлением в камнерезном искусстве стали изделия фирмы Фаберже. К.Фаберже широко использовал самоцветы Урала, Сибири, Кавказа, часто дополняя их драгоценными камнями, эмалями, цветным золотом. С целью подготовки высококвалифицированных мастеров-резчиков, он отправлял специалистов "для усовершенствования" в Париж к лучшим художникам.
Из камня фирма Фаберже делала коробочки, часы, набалдашники для тростей, но самыми замечательными были цветы, фигурки животных, птиц, серия "русские типы": изображения маляра, полицейского, мужичков и другие. Эти каменные изделия высоко ценились современниками. Так в письме великого князя Николая Михайловича императору Николаю II от 5 февраля 1914 года написано: "Вчерашний успех фигуры из резных камней петербургского извощика работы Фаберже даёт мне смелость поднести другую, изображавшую мужика с гармонью, по тонкости работы ещё превосходящую извощика". Богатство художественной натуры, энциклопедичность и исключительная талантливость, сделали Карла Фаберже гениальным ювелиром.
Во всех странах мира во второй половине XIX- начале XX века самым почетным было звание придворного ювелира. В России существовали подобные титулы, как придворный банкир, придворный лекарь, но официальной процедуры присвоения подобных назначений не существовало. Карл Фаберже стал придворным ювелиром после того, как его семья узнала в 1910 году, что звание поставщика Двора Его Императорского Величества не адекватно придворному ювелиру. До 1856 года титул придворного поставщика присваивался без каких-либо предварительных условий, по просьбам лиц, поставлявших свои изделия не только Высочайшему Двору, но и великокняжеским дворам. В 1866 году было разъяснено, что претенденты на это звание должны поставлять предметы или выполнять какие-либо для Императорского Двора в течение 8-10 лет, причем оно не может переходить по наследству или вообще от одного лица к другому. Присвоение звания придворного поставщика давало право изображения Государственного герба Российской Империи. Лиц же, именовавшихся придворными ювелирами, немного, среди них - Яннаш, Кеммерер, Ян, Болин, Фаберже, Кехли.

При подготовке материала использовались следующие источники:
В.Скурлов,Г.Смородинова.,"Фаберже и русские придворные ювелиры".,Москва.,
Изд-во Терра-Книжный клуб.,2001.,336с.
"Русские сокровища".,Москва.,Русский Национальный музей.,2000/2001.,112с.
"Знаменитые драгоценности".,СПб.,ООО Издательский дом "Кристал".,2003.,96с.

Ювелирные украшения - это искусство, а искусство - это отголосок времени. Что можно сказать о развитии и ценностях общества той или иной эпохи? Просто посмотрите на картинку с драгоценным изделием. Или посетите музей. Люди уходят, но оставляют после себя свое мастерство, мир вокруг меняется, но бриллианты - вечны.

Зачем разбираться в стилях и истории моды на ювелирные украшения? Чтобы понимать ценность изделия. Да, эта вещица создана в ХХI веке, но какую эпоху она демонстрирует? К какому направлению ювелирного дела относится? Эти знания делают выбор более осознанным. Давайте сделаем экскурсию во времени.

Модные украшения XVIII века - помпезность эпохи барокко

Предлагаем начать обзор модной истории ювелирного дела именно с XVIII века. Не то чтобы предыдущие эпохи не заслуживали нашего внимания, но, как считают историки, именно правление династии Романовых стало расцветом русского ювелирного искусства.

Это было время, когда «серебряных и золотых дел мастеров» переименовали в «ювелиров» на европейский манер. Новое название - новые веяния в производстве украшений.

В те времена «правил бал» стиль барокко, который переводится с итальянского как «причудливый», «склонный к излишествам». Широкой русской душе подобная вычурность была по вкусу. Новый стиль одежды, который популяризовал царь Петр I, требовал наличия других украшений. И ювелиры оправдывали ожидания, создавая из драгоценных материалов:

Декоративные пуговицы.

Пряжки для обуви.

Брошки и подвески.

Фермуары - даже застежки для ожерелий или других нашейных украшений были сделаны из благородного металла. Это две дужки, украшенные на окончаниях бусинками. Бусины зацепляются друг за друга и замочек защелкивается.

Шатлены - цепочка на пояс, на которую навешивали другие мелкие и нужные аксессуары: часы, ключи, кошелек, брелоки.

Портбукет - маленькая вазочка, прикрепленная к поясу, в которой можно носить живые цветы или драгоценные, сделанные в виде ювелирных украшений.

В эпоху барокко и рококо драгоценным камням находили широчайшее применение, так как это было время освоения уральских и алтайских месторождений.

Также это время ознаменовалось первыми волнами эмиграции: в Россию приезжали работать опытные европейские ювелиры, например: швейцарец Иеремия Позье послужил при дворе сразу трех русских императриц: Анны Иоанновны, Елизаветы Петровны и Екатерины II.

Также оставили драгоценные следы после себя: Жан Пьер Адор, Иоганн Готтлиб Шарф, Луи Давид Дюваль, Георг-Фридрих Якарт, Леопольд Пфистерер.

Среди отечественных мастеров стоит вспомнить фирму Павла Федоровича Сазикова, который использовал такие «инновации» как паровой двигатель и механические приспособления. Этот ювелир «задал моду» на русский стиль и фольклор в ювелирных украшениях.

XIX век - сдержанный классицизм и стиль модерн

Менялись времена - менялись и вкусы, общество понемногу уставало от чрезмерной пышности и мотовства, а роскошь уступала место классическому стилю - классицизму. Мужчины внешним видом перестали «походить на павлинов», а украшения женщин разделились на выходные, будничные и по случаю. А это значит, что в шкатулках тогдашних модниц лежали:

Парюра - термин неоднозначный. Одни источники утверждают, что это небольшая тиара, которая надевается на голову, а при необходимости ее можно трансформировать в колье. Согласно другим источникам, это целый набор украшений - браслет, кольцо, колье, гребень для волос, сережки - и всё это выполнено в едином стиле с использованием одинаковых камней и металлов. В целом факты не слишком противоречивы.

Украшения с миниатюрными портретами на эмали: на медальонах, кольцах, брошках можно было нарисовать изображение особенного человека или просто красивую картинку с природой, цветами, узорами. В общих чертах стиль классицизма был с налётом романтизма, поэтому парные украшения, ювелирные изделия со смыслом - типичные заказы модников тех времен.

Украшения со стразами (именно в XIX веке изобрели столь популярную имитацию бриллиантов), шлифованным стеклом с кусочком фольги, подложенным снизу, с полудрагоценными камнями. В целом, бижутерию носить было не зазорно.

Примечательно, что в те времена в российском ювелирном искусстве образовались два направления. Петербургские мастера, самые известные из которых - мастерская Карла Болина и Дом Фаберже - работали в западноевропейском стиле. А мастера Москвы предпочитали «русский стиль». Среди известных московских мастерских стоит вспомнить фирмы Павла Овчинникова, Ореста Курлюкова, Федора Антоновича Лорие, Ивана Дмитриевича Чичелева.

Это только те ювелиры, которые создавали украшения. Еще было достаточно мастерских, которые занимались созданием разнообразных предметов интерьера, посуды и церковной утвари, но это уже другое направление.

ХХ век - разнообразие стилей в украшениях

Чтобы не распыляться, сконцентрируемся на первой половине ХХ века, до революции российское ювелирное мастерство вышло на совсем другой уровень. Во-первых, ручная работа отошла на второй план, процесс производства украшений стал настолько автоматизированным, насколько это было возможно сто лет назад. А это значит, что ювелирные изделия стали еще более доступными, целевая аудитория расширилась и рынок увеличился.

Эта эпоха стала зарождением следующих стилей:

Ампир. Изделия - словно воспоминания о Римской империи. Диадемы в форме лаврового венка, украшения с элементами флористики - веточек, гирлянд, листиков. Камеи - резьба на камне. Эгреты – брошки для причесок или головных уборов, украшенные птичьими перьями.

Романтизм. Свобода творчества, склонность к гротеску, немного сентиментальности - примерно так можно охарактеризовать этот стиль. Тогда появились траурные украшения - в память об ушедших близких людях, например, медальон со створками, а внутри – клок волос умершего. Изготавливались в основном из черных материалов. Также ценились украшения из «русских камней» - александритов, уральских изумрудов. Неизменной была любовь к жемчугу.

Ар-нуво (Art Nouveau) или русское название - модерн. Украшения с использованием флористических и готических элементов, мифических персонажей, птиц, насекомых, рептилий, кельтского орнамента.

Ар-деко (art déco). После Первой мировой войны появилось новое поколение женщин. Романтичные томные барышни ушли в прошлое, мир принадлежал дамам, которые видели перевороты, но желание украшать себя осталось. Одна из известных почитательниц украшений в стиле ар-деко - Марлен Дитрих - что предпочитала эта актриса? Четкие геометрические формы, египетские элементы, прямые углы, необычное сочетание дорогих камней и дешевого металла. Больше никаких цветочков, никаких плавных линий и сдержанных благородных оттенков. Больше красок, больше экспериментов и больше смелости.

Среди известных мастеров дореволюционного периода стоит вспомнить ювелирную фирму швейцарца Фридриха-Христиана Кёхли в Петербурге. Оставил после себя след в России и австрийский подданный Карл-Август-Фердинанд Ган и его партнер Карл Карлович Бланк - гражданин Финляндии.

Этот список российских ювелиров начала ХХ века отнюдь не полный, но всех мастеров объединяет один факт - никто не продолжил свою деятельность после революции, а после Первой мировой войны производством ювелирных украшений в России занялось государство.

Конечно, советские артели не смогли повторить в своих работах того мастерства, которым владели ювелиры предыдущих поколений, да и учиться особо негде было. Но со временем традиции российского ювелирного дела начали возрождаться. Убедиться в этом вы сможете, на эксклюзивные изделия Ювелирного Дома «Квашнин». И не забудьте обновления нашего блога, чтобы первыми читать новые статьи о мире ювелирного дела.

Публикации раздела Музеи

Не только Фаберже

В итиеватая скань, радужная эмаль, мерцание драгоценных камней и блеск благородных металлов. При Петре I в Россию приехало множество ювелиров из Европы, а ХIX век стал эпохой расцвета русского ювелирного искусства. Самые искусные мастера становились поставщиками царского двора. Вместе с Натальей Летниковой вспоминаем придворных ювелиров Российской империи .

Иероним Позье

Букет цветов. Золото, серебро, драгоценные и поделочные камни, хрусталь. Гранение, полировка. 1740-е. Фотография: foto-basa.com

Большая императорская корона. 1762. Фотография: gold.ru

Букет цветов. Золото, серебро, драгоценные и поделочные камни, стекло, ткань. Гранение, полировка. 1740-е. Фотография: foto-basa.com

Фирма «Болин и Ян» работала при шести российских монархах и выполняла заказы из императорского дворца более века. В «Обозрении Лондонской всемирной выставки» 1851 года говорилось, что работы Болина «решительно превосходили совершенством оправы все, что было на выставке, не исключая даже диадемы испанской королевы работы знаменитого парижского ювелира Лемонье». В 1912 году Николай II пожаловал семье потомственное дворянство. Сегодня работы ювелиров хранятся в Алмазном фонде и имеют статус коронных ценностей.

Павел Овчинников

Солонка с эмалью. Российская империя, Москва. 1899–1908. Фотография: lermontovgallery.ru

Пивная кружка «Крестьяне возвращаются с сенокоса». Российская империя, Москва. 1873. Фотография: lermontovgallery.ru

Ковш. Российская империя, Москва. 1899–1908. Фотография: lermontovgallery.ru

Известный фабрикант и золотых дел мастер был крепостным князя Дмитрия Волконского. Он увлекался рисованием, и талантливого мальчика отправили в Москву - развивать способности. В 1850 году Павел Овчинников получил вольную, женился и на приданое супруги открыл собственное дело.

Ему понадобилось десять лет, чтобы отыскать свой стиль. Ювелир применял технику чеканки, литья, резьбы, использовал более сотни оттенков эмали. С ним работали известные художники и скульпторы - Евгений Лансере, Артемий Обер, Александр Опекушин. Для храма Христа Спасителя они изготовили Евангелие по рисункам Льва Даля. Ювелиры работали в старинной технике перегородчатой эмали, которая пришла на Русь из Византии и была забыта в годы татаро-монгольского нашествия. Павел Овчинников писал в своей книге: «Русская промышленность серебряных изделий на последних всемирных выставках заняла не только почетное место, но и успела сбросить ярмо, давление иностранное» . Многие современники признавали Евангелие самым ценным церковным предметом в храме Христа Спасителя - с художественной точки зрения.

Иван Хлебников

Золотой чайник. Позолота, эмаль. Русский стиль. Фотография: lermontovgallery.ru

Подстаканник. Серебро. Российская империя, Москва. 1893. Фотография: lermontovgallery.ru

Чаша. Позолота, перегородчатая эмаль. Русский стиль. Фотография: lermontovgallery.ru

Разнообразием стилей в царской России были известны изделия Ивана Хлебникова: новорусский, необарокко, неорококо, неоклассицизм, модерн. Ювелир основал фабрику в Москве в 1871 году. Уже спустя два года на Всемирную выставку в Вене Хлебников отвез массивную чашу-братину в духе времен царя Алексея Михайловича и кружку с рельефным изображением Дмитрия Донского. «Предметы, от которых так и веяло стариной» - так описывали их известные ювелиры. Любимыми сюжетами Ивана Хлебникова стали исторические и литературные персонажи. Он изготавливал драгоценные пластины с изображением сцен из жизни Ивана Грозного и пира из поэмы Михаила Лермонтова «Песнь о купце Калашникове».

Хлебников вместе с ведущими русскими ювелирами участвовал в украшении храма Христа Спасителя. Он создал более полусотни лампад, дарохранительниц, кувшинов для святой воды. Для Благовещенского собора Кремля на его фабрике был изготовлен золоченый с эмалью иконостас.

Карл Фаберже

Яйцо Фаберже «Корзинка цветов». 1901. Фотография: happymodern.ru

Золотая корзинка с ландышами. 1901. Фотография: lermontovgallery.ru

Яйцо Фаберже «Лавровое дерево». 1911. Фотография: happymodern.ru

Потомственный ювелир Карл Фаберже был воспитан в классических традициях. Он сочетал в своих драгоценных изделиях элементы скульптуры, живописи и графики, а также старался оживить в них эмоции и воспоминания венценосных заказчиков. Пример такого синтеза - пасхальные яйца . Их создавал огромный творческий коллектив из 600 мастеров со всего света. Традиция дарить друг другу драгоценные подарки на Пасху появилась в императорской семье во второй половине XIX века. Первое яйцо

Солонка с эмалью. Российская империя, Санкт-Петербург. 1899–1908. Фотография: lermontovgallery.ru

Ювелирный дом братьев Грачевых славился на весь Петербург своими изделиями в стиле модерн и русском стиле. Мастера зачастую делали реплики старинных шедевров. Они использовали и традиционную технику эмали по скани и резьбе, и новаторскую в те годы витражную эмаль. Витиеватые орнаменты, портреты и пейзажи на золоте и серебре покрывал тончайший полупрозрачный эмалевый слой.

Во главе ювелирного дома стоял Гавриил Грачев, его дело унаследовали восемь сыновей. Небольшая мастерская к 1895 году стала фабрикой, одного из братьев - Михаила Грачева - назначили штатным оценщиком императорского Кабинета. Ювелирный дом Грачевых был поставщиком Высочайшего двора до 1917 года. После революции фабрика перестала выпускать драгоценные оклады икон и изысканные интерьерные вещицы, ассортимент сузился до простого столового серебра. В 1918 году ювелирный дом закрылся.

Вскоре появилась мода на фактурный металл. Ювелиры Москвы вслед за Губкиным начали имитировать в металле бересту и лыко, создавать серебряные пни, вышивку и срубы. В Государственном историческом музее хранятся ковш и кружка с нанесенными на металл гравюрами Москвы и Петербурга. А после сахарницы - плетеной корзинки, накрытой салфеткой с мухой, - в Москве появилась посуда с драгоценными «салфетками».

Ювелирные дома Царской России.

«Сазиков» — одна из старейших ювелирных фирм России

/doradajewelry.com/wp-content/uploads/2015/08/Russkie-yuveliry_chast2-01-252x300.jpg" target="_blank">http://doradajewelry.com/wp-content/uploads/2015/0...yuveliry_chast2-01-252x300.jpg 252w" width="533" />

Если в XVIII- начале XIX века Петербург был единственным центром и школой ювелирного дела в России, то положение меняется во второй половине XIX века, когда в Москве стала зарождаться самостоятельная художественная культура, основанная на своих древних традициях, насчитывающих около тысячелетия. Московская школа складывалась в русле национальной концепции.
Вторая половина XIX — начало XX века в истории московской жизни одна из ярких страниц — это время экономического и культурного подъема, когда создавались городские музеи, учебные заведения, красивый облик города, стала насыщенной художественная жизнь. Во всех отраслях искусства начались поиски самобытных национальных форм.
Мастера-ювелиры с середины XIX века откликнулись на потребность общества в национальных формах, начиная с этнографического воспроизведения отдельных предметов, копирования орнаментов, использования народных мотивов для создания оригинальных произведений, включения гравюр с видами городов и исторических памятников, сюжетов из русской истории, народных картинок в украшении серебряных изделий.
target="_blank">http://doradajewelry.com/wp-content/uploads/2015/08/Russkie-yuveliry_chast2-07.jpg 600w" width="300" />

Появились многочисленные солонки, ковши, братины, чарки с орнаментами и формами XVI -XVII веков или надписями с пословицами и поговорками. Получили распространение серебряные изделия, блестяще имитирующие берестяное лукошко, поверхность дерева, холщовый мешочек и т.д. Впервые в истории русского ювелирного искусства темой украшения становится искусство и быт народа.

Первыми шагами возрождающегося русского национального искусства, зачинателем и носителем которого стала Москва и ее школа, было возрождение характерных декоративных принципов, присущих древнерусскому искусству. Яркими выразителями этого направления были лучшие фирмы: И.П. Сазикова, П.А. Овчинникова, И.П. Хлебникова, И.С. Губкина, П.И. Оловянишникова, которые, как бы изумившись красоте русского искусства, забытого и закрытого подражанием западноевропейским формам почти на два столетия, сумели вновь утвердить его в своих изделиях.

«Сазиков» — одна из старейших ювелирных фирм России. Имя основателя Павла Федоровича Сазикова, купца 3й гильдии, хозяина небольшой мастерской в Москве, известно с 1793 года. В 1810 году он уже владел фабрикой по выделке разнообразных серебряных изделий, а в 1842 году был открыт филиал в Петербурге.
Фирма Сазикова считалась одной из лучших российских ювелирных фирм в середине XIX века, получала почетные грамоты, малые и большие медали на всероссийских выставках художественно-промышленных товаров в 1835, 1849, 1853, 1861, 1865 годах, а также большую золотую медаль и орден Почетного легиона за участие во всемирных выставках в Лондоне в 1851 году и в Париже в 1867 году.
А в 1837 году она получила звание придворного поставщика.

Target="_blank">http://doradajewelry.com/wp-content/uploads/2015/0...veliry_sazikov_017-300x217.jpg 300w" width="760" />

На первой Всемирной выставке, которая была проведена в Лондоне по инициативе принца Альберта в 1851 году, Игнатий Павлович Сазиков, сын основателя, представил коллекцию из девятнадцати предметов, созданную по мотивам крестьянской жизни, что было совершенно новым явлением для элитарного вида искусства, каким являлось ювелирное дело.

Target="_blank">http://doradajewelry.com/wp-content/uploads/2015/0...veliry_sazikov_018-300x208.jpg 300w" width="760" />

Простые и близкие к реальности, разнообразные по сюжетам изображения: медведь-плясун с поводырем, казачка, играющая на бандуре, охтенка-молодчица около деревянной бочки, выполненные чеканкой, — украшали серебряные кубки, молочники, кувшины, пресс-папье.

Но главным произведением этой коллекции, за которое фирма получила золотую медаль, было большое напольное украшение — канделябр в виде скульптурной группы высотой 2м (по рисунку В. Клодта и Ф. Солнцева), посвященное победе русского воинства под предводительством Великого князя Дмитрия на Куликовом поле. В центре ее - Дмитрий Донской в окружении бояр, военачальников, знаменосца и всадника, рассказывающих ему о победе. Новизна стиля, красота рисунка, блестящее качество исполнения принесли И.П.Сазикову европейскую известность. Скульптурная группа выдержала сравнение с работами лучших ювелиров Европы, и русская фирма впервые получила заказы из-за границы, в частности из Англии.

Target="_blank">http://doradajewelry.com/wp-content/uploads/2015/0...veliry_sazikov_019-300x207.jpg 300w" width="760" />

Игнатий Павлович Сазиков

На Всероссийской выставке художественно-промышленных товаров 1861 года И. П. Сазиков представил чернильный прибор в виде деревенской избы в окружении хозяйственных построек с изображением многочисленных подробностей крестьянского быта - колодца, птицы и пр. За высокое качество чеканной работы пресса назвала Сазикова русским Бенвенуто Челлини, отметив, что в его изделиях все русское - и идея, и рисунок, и модели. Знатоки не ожидали встретить в России «значительного фабриканта, соединяющего в себе искусство художника с ремеслом промышленника».

Икона Богоматерь Смоленская в окладе фирма Сазикова, Москва, 1854, серебро, сапфиры, рубины, эмаль, дерево

Стоит особо отметить, что Игнатий Павлович - первый ювелир, придавший своим произведениям национальный характер.
Среди ювелирных техник, кроме чеканки и литья, которые были преобладающими, фирма использовала эмаль, гравировку, чернь. Широко занималась изготовлением церковных предметов. На Всемирной выставке в Париже в 1867 году И.П.Сазиков выставил икону Смоленской Божьей Матери в окладе из серебра с сапфирами, рубинами и эмалью, представив в этой работе исконно русские приемы эмальерного искусства и положив начало «новому русскому стилю».

Он привлекал к работе известных художников и скульпторов, использовал передовой зарубежный опыт и оборудование - именно он привез из Франции в 1843 году первый в России гильоширный станок.

И опять-таки Сазиков первым в России организовал в 1845 году при фабрике особое отделение для обучения серебряных и золотых дел мастеров на 80 человек.

Галерея некоторых работ:

Скульптурная группа "Витязь в дозоре"

Модель царь-пушки,1851

Икорница,выполненная в виде раковины на стилизованных ножках

Сервиз московской фирмы Сазикова, 1847

Крест-мощевик с частицами святых мощей,1847

Крепкий бочонок "Береста". Серебро,литьё,чеканка,ручная проработка,монтировка,золочение.

Серебряный сервиз для пунша. Фирма Сазикова. Санкт-Петербург,1874-1875

Чайно-кофейный сервиз

Чарка подносная

Сазиковы — династия ювелиров-серебряников

Ковш

Сахарница

Кружка с отъемной крышкой

Ваза

"...лежащая у источника"

Большой известностью пользовались пасхальные яйца с секретом, которые в наше время стоят баснословных денег.

Путь Сазиковых к известности был нелёгким. В 1796 году отец и сын — Фёдор Ермолаев и Павел Фёдоров, экономические крестьяне того места Московской губернии, которое сейчас называется Павловым Посадом, приехали в Москву и записались в купечество. Они обладали, очевидно, неплохими навыками работы с серебром, так как изготовленные ими изделия на-шли спрос. И вскоре они открыли мастерскую с двумя-тремя рабочими, число которых год от года росло. По приезде они не имели ещё фамилии, и только в 1811 году Московский магистрат дал им право официально именоваться фамилией Сазиковы. В 20-е годы производство их значительно разрослось, и мастерская стала получать заказы от дворцовой палаты. Первоначально они изготовляли пре-имущественно оклады икон, но вскоре стали поступать заказы светского назначения. Уже во втором десятилетии ХIХ века к работе подключился сын Павла Фёдоровича — Игнатий. В 1836 году их мастерская получила статус фабрики, а в следующем году Игнатий Павлович лично получил «высочайшее дозволение именоваться придворным фабрикантом серебряных изделий». В эти годы он посещает Европу для ознакомления с особенностями ювелирного производства на Западе. А в середине 40-х годов Сазиковы открывают ещё одну фабрику в Петербурге и два магазина на Невском. Петербургский филиал фирмы возглавляет Игнатий Павлович, позже к нему присоединяется младший сын Валентин. Средний Сергей начинает работать с дедом в Москве. А на старшего сына Павла, получившего образование в Академии художеств и имевшего звание неклассного художника, было возложено руководство художественной частью.

Золотая медаль в Лондоне

Игнатий Павлович впервые внедряет разделение труда, что повышает его производительность. Особенно при изготовлении предметов утилитарного назначения: столовых и чайных приборов, пользовавшихся большим спросом. Будучи не только талантливым организатором, но и большим художником, он обращается к новой в то время национальной тематике и создаёт предметы в «русском стиле». Имитируя в серебре фактуру дерева, бересты, тканей, Сазиковы создавали серебряные сухарницы в виде плетёных корзинок с накинутыми на них салфетками, солонки в виде туесков и мешочков, пепельницы в форме лаптя. Гармоничность изделий и филигранность исполнения способствовали их востребованности в разных слоях населения, в том числе аристократических, приобщая их к эстетике народного «русского стиля». Сазиковы были первооткрывателями в литье круглых фигур в оте-чественном серебряном деле. Причём и здесь они использовали национальные мотивы. На историческую русскую тему была сделана грандиозная композиция в два метра высотой «Дмитрий Донской, раненый на Куликовом поле». Это был канделябр, на изготовление которого пошло 130 кг серебра. Он наряду с другими изделиями был выставлен на Первой Всемирной выставке в Лондоне в 1851 году и получил Большую золотую медаль первого достоинства. Следует отметить, что на этой выставке такую медаль мог получить только один экспонат! Павел Игнатьевич в одно мгновение сделался известным всей Европе. Эта работа была выполнена при участии скульптора Петра Клодта, автора памятника Николаю I на Исаакиевской площади и конных групп на Аничковом мосту. При создании многочисленных круг-лых скульптур — «Витязь с конём», «Сани», «Тройка», «Чернильный прибор в виде паровоза», «Мальчик со свирелью» — и бесконечно многих других Сазиковы всегда сотрудничали с известными скульпторами и художниками — Солнцевым, Далем, Монигетти, Горностаевым, Лансере и другими. А также в основу изделий брались эскизы Павла Игнатьевича. Естественно, Сазиковы работали не только в русской манере. У них были изделия и в других, более традиционных стилях — барокко, рококо. Даже встречались работы, предвосхищавшие грядущий модерн («Чернильница и парные подсвечники», 1877 год).

Красноречивый язык сокровищ

В 1877 году умер Валентин Игнатьевич, а через два года и его брат Сергей, работавший в Москве. После ухода из жизни представителей третьего поколения династии Сазиковых наступил спад производства, но сохранялось очень высокое художественное и техническое качество изделий. В Петербурге работал Павел, старший сын Валентина Игнатьевича, продолжали функционировать фабрика и магазин на Большой Морской. В Москве работали наследники Сергея Игнатьевича. Фирма продолжала экспонировать свои изделия на всемирных выставках под названием «Наследники придворного фабриканта Сазикова». Последний раз они участвовали в такой выставке в 1893 году в Чикаго. Вспомним первые шаги их в Москве в 1796 году, и перед нами пройдёт жизнь четырёх поколений мастеров. На протяжении целого столетия они не изменяли своему делу и достигли признания не только в своей стране, но и в мире.

Санкт-Петербург. Дом М.Г.Разумовской. Дом князя П.А.Урусова. Дом ювелиров Сазиковых

А сенсационная находка, сделанная в марте 2012 года в С.-Петербурге, явилась прекрасным заключением этого рассказа. При реставрации особняка В. Л. Нарышкина на ул. Чайковского, 29 был обнаружен уникальный клад, состоящий из 2168 серебряных предметов: сервизов, столовых приборов, предметов быта, орденов, медалей, в том числе 562 — работы фирмы Сазиковых (большой столовый, чайный сервизы и другие изделия). Это притом, что в Эрмитаже хранится только 86 предметов их работы. Находка способствовала тому, что имя Сазиковых стало знакомо не только специалистам — ювелирам, искусствоведам, - но и широкому кругу людей, небезразличных к достижениям оте-чественного искусства и просто к миру прекрасного.

Олег Платонов